Det indiske subkontinentet har produsert en rekke artister av internasjonal anerkjennelse, hvorav mange henter millioner på auksjon over hele verden. Noen av de mest suksessrike og nyskapende kunstnerne fra India er kvinner, og deres varierte praksis utforsker et bredt spekter av temaer, fra identitet og minne til politikk, historie og moderne kultur. Vi bringer deg ti av de mest kjente moderne kvinnelige indiske artister.
Shilpa Gupta
Shilpa Gupta undersøker en rekke temaer fra forbrukerkultur til ønske, sikkerhet, religion, nasjonalisme og menneskerettigheter, og bruker ofte interaktiv video, fotografering, installasjon og performancekunst, og er ofte avhengig av publikums deltagelse. Hun fungerer som et interaktivt videospill, og serien hennes med videoprojeksjoner med tittelen Shadow (1, 2 og 3) innlemmer seernes simulerte skygger, fanget av et live kamera. Skyggene projiseres på den hvite skjermen, og samhandler med andre skygger skapt av gjenstander, dukker, hus, fugler og andre figurer som danser, hopper og går. Gupta er en av en ung generasjon av indiske kunstnere som arbeider svarer til landets postkoloniale samfunnskiller. Hun slører, tegner og sletter ofte geo-politiske grenser, for eksempel i 100 håndtegnede kart over India (2007-2008), som består av håndtegnet kart av seere fra minnet, eller hennes tittelarbeid som viser et gult politi tape flagg lesing, "Det er ingen grense her."
Bharti Kher
Den klistrede, ferdige bindi - en tradisjonell indisk pannedekorasjon - er sentral i Bharti Khers praksis, og innbyr til ambivalente betydninger, svingende mellom tradisjon og modernitet. Kher trives med å skape kunst som skildrer feiltolkning, misoppfatninger, konflikt, mangfoldighet og selvmotsigelse, utforske menneskelig drama og samtidens liv. Bindi vises i hennes malerier så vel som i sine skulpturelle installasjoner, og utfordrer kvinnenes rolle i et tradisjonelt land og viser til den tradisjonelle åndelige betydningen av det "tredje øyet". Hennes rekordstore The Skin Speaks a Language Not Its Own (2006) skildrer en død eller døende glassfiberelefant dekket av skinnende bindis. Arbeidet hennes jobber videre med allegoriske historier, fantastiske skapninger, magiske dyr og mystiske monstre, slik det sees i andre dyrebaserte stykker som Misdemeanors. A Absence of an Assignable Cause (2007) er en replikk i livsstørrelse av hjertet av en blåhval, basert på kunstnerens fantasi, understreker den romantiske ideen om et 'stort hjerte' og mysteriene som binder hjertet til begreper om kjærlighet, liv og død.
Bharti Kher - En fravær av tilordnelig årsak © Jennifer Boyer / Filckr
Zarina Hashmi
Med papir som sitt primære medium og et minimalt ordforråd som er rikt på assosiasjoner, skaper Zarina Hashmi abstrakte verk som resonerer hennes livsopplevelser av eksil og dispossession og begrepet hjem - enten det er personlig, geografisk, nasjonalt, åndelig eller familiært. Hennes kontemplative, poetiske oeuvre inkluderer tresnitt, etsninger, tegninger og avstøpninger laget av papirmasse. Håndlagde og kalligrafiske linjer utgjør et samlende element i komposisjonene hennes. Språk er sentralt for kunstneren. Letters from Home (2004) viser frem en serie utskrifter basert på brev fra søsteren Rani, som bor i Pakistan. I et Tate-videointervju forteller Zarina hvordan mottakelsen av disse brevene hjalp henne med å bevare en følelse av identitet. Håndskrevet Urdu er lagt på kart og tegninger av fjerne hjem og steder, og bærer skyggene av viktige øyeblikk og inntrykk av steder som er relevante for familiens liv.
Nalini Malani
Konseptet med den transcenderte grensen er kjernen i Nalini Malanis praksis, som henter fra litteratur, mytologi, historie og personlig liv for å skape kunst med relevans på tvers av kulturer. Fra tegninger til malerier, projisert animasjon, skyggespill, video og film, sammenstiller kunstneren tradisjon med modernistiske elementer for å ta opp presserende spørsmål knyttet til samtidssamfunnet. Familien hennes ble påvirket av partisjonen fra 1947 - et tema som er kjær for Malani, som det ble sett i å huske Toba Tek Singh (1998), en video inspirert av Sadat Hasan Mantos novelle med samme tittel. Malani bruker symbolikken på Bishen Singhs død - en mental pasient som nekter å flytte til India under skillevegg, dør i ingenmannsland mellom de to grensene. Malani undersøker deretter effekten av Partisjon på folks liv, og hun utvider denne utforskningen til effekten av kjernefysisk testing i Pokhran, Rajasthan. Malanis interesse for Cassandra ligger i hennes tro på at hver og en av oss har innsikt og instinkter. Hennes utstilling i 2014 med tittelen Cassandra's Gift på Vadehra Art Gallery fokuserte på muligheten for at menneskeheten forutser fremtidens hendelser og virkelig 'lytter' til det som skjer rundt dem.
Rina Banerjee
En forkjærlighet for stoff, stoff og tekstur, kombinert med opplevelse av å bo i samfunn med blandede kulturelle / rasemessige steder, gir grunnlaget for Rina Banerjees poetiske multimediaverk. Hun definerer sitt arbeid som en utforskning av 'spesifikke koloniale øyeblikk som gjenoppfinner sted og identitet som komplekse diasporiske opplevelser sammenvevd og noen ganger surrealistisk.' Banerjee lager fargerike samlinger av tekstiler, moteartikler, koloniale gjenstander, møbler, taksidermi og organiske materialer, hentet fra søppelbutikkene i New York og rekonfigurert til gjenstander gjennomsyret av ny mening. Uvanlige materialer inkluderer taxidermied alligatorer, tresenger, fiskebein, strutsegg, fjær og antikke møbler. Mens hybriditeten i verkene hennes er en refleksjon av hennes kosmopolitiske bakgrunn, er det visuelle språket hun skaper forankring i mytologi og eventyr. Ta meg, ta meg… to the Palace of Love (2003) er en installasjon som ble vist på Musée Guimet i Paris i 2011. Artikulerer en diskurs om hennes opprinnelse og den vestlig-orientalistiske utsikten over Østen, den omfattet en rosa plastpaviljong laget i form av Taj Mahal for å fremkalle et syn på India gjennom rosetone briller, karakteristisk for den koloniale britiske tilstedeværelsen i India - med en sentral samling av 'eksotiske' materialer.
Dayanita Singh
Ved å skape nysgjerrige fortellinger om hverdagen gjennom det fotografiske mediet gir Dayanita Singh visuelt uttrykk for et landskap som sammenstiller kunstnerens fantasi med den virkelige verden. Hennes svart-hvite fotografier blir presentert i en installasjon med tittelen Museum, så vel som i hennes favorittmedium: boken. Paper har en spesiell betydning for Singh. Kunstneren skildrer alle, fra overklassen til samfunnets frynser, og gir et vidvinkel av det moderne India. Mona Ahmed er en gjenganger i sitt arbeid; helt siden deres første møte i 1989 på en kommisjon for London Times - en hofmann som bodde på en kirkegård i Old Delhi, en dobbelt utstøtte avvist av hennes familie og av eunuchsamfunnet. Singhs skildring av Mona er en utforskning av de med fragmenterte identiteter og mangel på en følelse av tilhørighet, som er temaet for boken Meg selv Mona Ahmed. Singhs House of Love slører linjen mellom fotografibok og litterær fiksjon, med bilder akkompagnert av poesi og prosa som forteller ni noveller. De bærbare 'museene', som File Museum (2013) eller Museum of Chance (2014), er store trekonstruksjoner som kan arrangeres i forskjellige konfigurasjoner, med mellom 70 og 140 fotografier. Denne 'foto-arkitekturen', som Singh kaller det, lar henne uendelig vise, redigere og arkivere bilder.
Reena Saini Kallat
Reena Saini Kallat inkorporerer ofte mer enn ett medium i et enkelt kunstverk. Kallats oeuvre arbeider med de uendelige syklusene i naturen og skjørheten i den menneskelige tilstanden, og gjenspeiler de stadige skiftene mellom fødsel, død og gjenfødelse; å bygge og kollapse, beseire og gjenoppstå. Hun jobber ofte med offisielt registrerte eller registrerte navn - av mennesker, gjenstander eller monumenter som har gått tapt eller forsvunnet sporløst. Et tilbakevendende motiv i hennes praksis er gummistempelet, et symbol på kontroll og det byråkratiske apparatet - en 'ansiktsløs tilstand' som skjuver og bekrefter identiteter. Kallat har brukt gummistempler siden 2003, og investerte verkene sine med ironi. I Falling Fables brukte hun frimerker med adressene til manglende monumenter beskyttet under Archeological Survey of India, for å lage former for arkitektoniske ruiner, og fikk oppmerksomhet til tilstanden av kollaps og brudd fra kollektivt minne som skjer i India og rundt om i verden i dag. I 2013 opprettet hun Untitled (Cobweb / Crossings), en spindelvev på fasaden til Bhau Daji Lad Museum i Mumbai. Skapelsen hennes omfattet ett tonn gummistempler med de tidligere navnene på gater rundt museet og fremhevet tapte historier. Kallat har tidligere brukt motivet på nettet for å jobbe med migrasjonsspørsmål og de som kontrollerer det. I 'Untitled (Map / Drawing)', et intrikat kart over verden laget med elektriske ledninger og beslag, sporer arbeidernes ofte skjulte trekkstier.
[K] Reena Saini Kallat - Untitled (2008) - Detalj © cea + / Flickr
Hema Upadhyay
Gjennom fotografering og skulpturell installasjon, engasjerer Hema Upadhyay forestillinger om personlig identitet, tilhørighet, dislokasjon, nostalgi og kjønn, og reflekterer over den moderne staten Mumbai - en metropol med sin multikulturalisme som følger av trekkbevegelser. Et tilbakevendende selvbiografisk verk inkluderer bilder av seg selv, som om hun lette etter sin egen plass i byen, som hun ble tvunget til å migrere med familien under partisjonen. I sin første separatutstilling, Sweet Sweat Memories (2001), presenterte hun verk som snakket om følelser av fremmedgjøring og tap. Serien inneholdt miniatyrfotografier av seg selv limt inn på malerier som avbildet luft- og subalterneperspektiver på Mumbai som en overveldende ny by.
Sheela Gowda
Sheela Gowda inkorporerer skulptur, installasjonskunst og fotografering som viser det urbane og landlige India, og lager arbeider ved å bruke hverdagsmaterialer, inkludert gjenstander og gjenvunnet gjenstander og materialer som kumøkk, rød kumkum (gurkemeie), røkelse, menneskehår, gullblad, seremonielle fargestoffer og husholdningsmaterialer som kokosfibre, nåler, tråder og ledninger. Gowdas praksis er sterkt avhengig av prosessen sin, som tåker grensene mellom kunst og håndverk, og stiller spørsmål ved rollen som kvinnelig subjektivitet i sammenheng med religion, nasjonalisme og vold som utgjør samtidens India. Og fortell ham om min smerte (2001) brukte over 100 meter kveilet tråd farget med rød kumkum, hengt opp og drapert over rommet for å danne en tredimensjonal tegning. Arbeidet refererte til Indias krydderkultur og tekstilindustrien - tradisjonelt deler av en kvinnes levde opplevelse - for å synliggjøre smerten ved det kvinnelige hjemlige livet i et patriarkalsamfunn.
