Mens Vesten har begynt å gjenkjenne den kunstneriske ferdigheten som kommer fra Afrika, fortsetter mange langvarige kolonialskapte stereotyper å ramme Afrika som ahistorisk og eksotisk, noe som er spesielt skadelig for afrikansk kvinne. I dag utfordrer mange kvinnelige afrikanske kunstnere som har bodd og arbeidet i diasporaen disse fiktive, undertrykkende oppfatningene av sine forskjellige afrikanske land og deres kropper gjennom sin kunst. Her er fem kvinnelige artister fra diasporaen du absolutt burde vite mer om.
Wangechi Mutu - Histology of the Different Classes of Uterine Tummors (2004) © Playing Future / Flickrcommons
Wangechi Mutu
Wangechi Mutu ble født i Nairobi, Kenya, og tilbrakte sin grunnleggende karriere i Wales på Cooper Union, før hun immigrerte til USA, hvor hun tjente sin MFA fra Yale. I dag bor og jobber hun i New York. Fra ung alder ble Mutu utsatt for hvordan den vestlige verden overforenklet Kenya til å være en navnløs del av det større Afrika, bestående av Safari og tradisjonelle 'stammer'. Hun tar opp dette og andre post-koloniale problemer i arbeidet sitt, idet hennes fotomontasjer er mest kjent. De kombinerer blekk, akryl og noen ganger glitter og perler med bilder kuttet fra reisemagasiner, pornografi, automagasiner og reklame for å danne nye menneskelige skikkelser. De endelige bildene, som for eksempel Misguided Little Unforgivable Hierarchies (2005) og The Bride Who Married the Camel (2009), er lyse og intense, vakre, men også nervøse. Originalbildene har individuelle kontekster og fremkaller distinkte konnotasjoner. Men når Mutu får selskap, kommer de til å representere den koloniale arven etter hvordan Vesten oppfatter det afrikanske kontinentet som 'primitivt' så vel som dets hyperseksuelle objektifisering av den afrikanske kvinnekroppen. Skjønnhet og rare trekker betrakteren inn, mens detalj-kvinnene består av dyrehoder, livmorhalsdiagrammer, motorsykler og de utsatte torsoene i en playboy-modell-utfordring og forstyrrer den vestlige fantasien som eksotiserer og objektiverer den afrikanske kulturen og kroppen.
Mixed Media Painting - Ghada Amer © See-ming Lee / Flickrcommons
Ghada Amer
Ghada Amer ble født i Kairo og fikk sin MFA i Maleri fra Villa Arson EPIAR i 1989. Selv om Amer først og fremst beskriver seg selv som en maler, spenner arbeidene og kombinerer flere medier. Hun bruker mest broderi og hagearbeid, arbeidskraft som typisk er kategorisert som huslig og feminin og ofte ansett som hobbyer snarere enn kunst. I å smelte sammen det aksepterte kunstmaleriet med maling med disse 'feminine aktivitetene' sammen med de ofte erotiske skildringene av kvinnekroppen, utfordrer Amer forestillingene om det feminine kontra maskuline, av begjær og kjærlighet. Hun stiller spørsmål ved samfunnsforventningene til den rene, jomfru skikkelsen som kolliderer med kvinnelig kroppens objektifisering og seksualisering. I verk som And the Beast (2004) og Knotty but Nice, stiller hun spørsmålstegn ved forholdet mellom moral og fordømmelse av kvinnens kropp. I And the Beast (2004) skildrer Amer den selvoppofrende figuren til Bell og andre Disney-prinsesser som onanerer, ved å bruke akryl og broderi på lerret, som krever frigjøring av figurer som tidligere ble holdt opp for deres moralske oppførsel som er sovet i deres kjærlighet til en mann - fraværende av seksuell lyst. Hun gjør dem mer menneskelige og gir jenter sunnere forbilder.
Ato Malinda Installasjon © Iopensa / Wikicommons
Ato Malinda
Malinda er en performancekunstner som vokste opp i Nederland, USA og Kenya. Selv om hun vokste opp fra nasjonen sin, fungerer mange av hennes forestillinger i en kenyansk eller bredere afrikansk kontekst. Mange av hennes stykker ser på postkolonial politikk i landet, for eksempel Mshoga Mpya (The New Gay in Kiswahili) (2014), som reagerer på illegaliseringen av homofili i Kenya. I forestillingen er Malinda på innsiden av et svart avlukke som bare en seer kan komme inn om gangen, hvor hun er avhengig av de innsamlede historiene om queer i Nairobi. Intimiteten bevarer personvernet til de anonyme stemmene, mens det muliggjør diskusjon av dem som ofte blir tvunget til taushet. Mye av annet arbeid fokuserer også på afrikansk queerness, for eksempel hennes fremførelse, Mourning a Living Man (2013), som er spesifikk for hennes dysfunksjonelle barndomshjem, men også snakker om større temaer om kjønnsprestativitet og seksuelle overgrep gjennom bruk av farger, språk og hjemlige aktiviteter gjort perverse. I begge disse stykkene fremhever hun de lokale stemmene til feminisme og LHBTQ-samfunnet, og gir en plattform for disse historiene som er overskygget av den hvite feminismen i Vesten. Måten publikum ofte blir tvunget til å samhandle med artisten og forestillingsrommet forbinder publikum fysisk med de menneskelige opplevelsene som blir representert.
Sokari Douglas Camp © El Coleccionista de Instantes / Flickrcommons
Sokari Douglas Camp
Sokari Douglas Camp er en produktiv nigeriansk billedhugger fra Buguma som studerte ved California College of Arts and Crafts i Oakland, Central School of Art and Design, og Royal College of Art i London, der hun for tiden er bosatt. Hennes skulpturer skildrer ofte Kalabari (byen som Douglas Camp kommer fra) maskerader, brennevin eller prestester. Laget av stål og andre funnet materialer som bokser, tau og fjær, forbinder seg selv og representerer hennes røtter i disse figurene. Douglas Camps skulpturer, som stiller ut for et internasjonalt publikum, arbeider for å rekonstualisere den hellige rollen til maskene involvert i maskerade, som ofte vises isolert i museer. Arbeidene hennes snakker spesielt til Nigeria og Kalabari også. Som kvinne har hun aldri lov til å gjøre maskeraden, siden det strengt tatt er mannen som spiller i samfunnet. Ved å lage disse formene for utøvelse, engasjerer Douglas Camp seg i maskeraden på et nivå som blir nektet henne og andre kvinner. Sveising er også typisk en mannlig håndverkerposisjon. I dobbelt forstand har hun da kontinuerlig utfordret kjønnsgrensene som tradisjonen pålegger henne. I større nasjonal skala adresserte Douglas Camp drapet på Ken Saro-Wiwa av den nigerianske regjeringen. Douglas Camp, en ikke-voldelig aktivist mot Royal Dutch Shell Company og regjeringens mangel på miljøbestemmelser, så på hans død som en nasjonal skam, og valgte å representere det i sitt arbeid Alagba in Limbo (1998), som viser maskeraden Alagba er skamfullt båret av to menn hvis ansikter uttrykker smerte.
Fotografi av Aïda Muluneh © Magnus Manske / Wikicommons
