Stillehavsøyene er en av de mest avsidesliggende stedene på jorden og overses ofte på den internasjonale kunst scenen. Øyene har en lang historie med kolonisering av europeiske land, og har en rik kulturell og historisk arv som trekker både fra sine egne tradisjoner så vel som i den koloniale fortiden. Vi tar en titt på de ti moderne kunstnere som har inspirasjon fra deres historie og kultur.
Sofia Tekela-Smith
Sofia Tekela-Smith (f. 1970), er av blandet skotsk og rotuman opprinnelse, og tilbrakte barndommen på øya Rotuma-Fiji-før hun slo seg ned på New Zealand. Hennes kunst er påvirket av hennes polynesiske kulturarv og tradisjonene med kroppspynt. Tekela-Smith har utvidet grensene for konseptualisering, presentasjon og visning av sitt arbeid - smykker og gjenstander for kroppspynt - til å bli 'kunst' snarere enn 'håndverk'. Melodies of their Honey Colored Skin (2003) er en serie med svarte, lettende glassfiber silhuetter av hoder, hver dekorert med et stykke av Tekela-Smiths smykker.
Inspirert av kitsch-gjenstander som skildrer polynesiske, afrikanske og aboriginiske hoder, populært som innenriksdekor på 1950- og 1960-tallet, utfordrer silhuettene de stereotype bildene av polynesiere foreviget av turiststrategier fra den koloniale fortiden. Fotografiene i Brown Eyes Blue (2004) undergraver også den stereotype oppfatningen av polynesiske kvinner i det kollektive imaginære. De har utfordrende mot svart bakgrunn, hender, armer og lepper malt rød - fargen på lidenskap, fare, vold, blod, hellighet - med en rød hibiskusblomst i håret, de bærer en stor perlemorsnakke over sin nakne overkropp.
Sofia Tekela-Smith, Små skyer Små fjell (detalj), 2012, gullleppe perlemor, pounamu, vokstråd, fotografi, speil, 37, 5 cm i diameter Courtesy the artist and Bartley + Company Art, Wellington
Michel Rangie
Michel Rangie (f. 1950) henter inspirasjon fra sin kulturarv og de åndelige og sosiale tradisjonene i sitt opprinnelsessted, Vanuatu-øya Ambrym. Den geografisk isolerte nordlige delen av øya beholder fremdeles stammens skikker og kastom-sedvaneregjering, lov og religion. En rekke gjenstander er laget for å ledsage ritualer og seremonier, for å markere minnesmerker og et mangfold av hendelser. Rangies oeuvre er direkte påvirket av disse tradisjonelle håndverkene, som de er synlige i Mague ne sagran (rangering av svarte palmer) klasse 4 (ca. 2005), et av en serie verk inspirert av mague-figurative skulpturer laget for mannlige initieringsseremonier. Det ambrymesiske samfunnet er strukturert rundt høvdinger som stiger gjennom en serie karakterer, og stigninger i rangering er markert med seremonier og opprettelse av mague. Laget av utskårne svarte palmer og malt med syntetiske farger, har de totemiske figurene hver sin unikhet, i henhold til den sosiale karakteren til sjefen som den er dedikert til.
John Pule
Niuean-kunstner, romanforfatter og poet John Pule (f. 1962) arbeider med maleri, tegning, trykking, filmskaping og performance. Hans oeuvre henter inspirasjon fra den niuanske kosmologien og kristendommen, og takler spørsmål om migrasjon og kolonialisme. Tukulagi tukumuitea (Forever and ever) (2005) kombinerer sine personlige fortellinger med alle de nevnte temaene. Pule sammenstiller bilder av Kristus fjernet fra korset med sørgende mennesker i et øde landskap. Androgyne figurer fører store fugler, gjenstander og mennesker opp og ned stiger, som fremkaller bevegelse av kulturer og livssynssystemer. Pionene på maleriet viser til misjonærenes import, inkludert blomstene selv, som har blitt en del av den lokale floraen. Dominert av den røde fargen - blod og vold - antyder arbeidet også muligheten for fornyelse. Pules arbeid er direkte påvirket av hans interesse for tradisjonen med hiapo - en frihånd barkcloth-tradisjon fra Niue. Hiapo blandes fra midten av det 19. århundre og blander vestlige og niuanske kulturer, med en blanding av dekorasjon og bilder så forskjellige som vestlige, tradisjonelle, språk, numerologi, marine og botaniske.
John Pule, Uenigheten, 2014, oljer, emaljer, blekk, oljepinne, polyuretan på lerret, 200 x 200 cm Courtesy Gow Langsford Gallery
Sima Urale
Sima Urale (f. 1968) er Samoa sin første kvinnelige filmskaper. Som en moderne, visuell historieforteller beholder hun den samoiske tradisjonen for muntlig historiefortelling eller fagogo. Arbeidene hennes er påvirket av både hennes samoiske arv og hennes opplevelse av å flytte til urbaniserte Aotearoa-det maori-navnet til New Zealand. Hennes prisbelønte kortfilm O Tamaiti (1996) 'The Children', ble filmet på samoansk, med minimal lyd, og skutt i svart og hvitt for å unngå kitsch-stereotypiene til samoere. Historien om en ung gutt tvunget til å spille foreldre under ødeleggende omstendigheter vant Silver Lion for den beste kortfilmen på Venezias internasjonale filmfestival i 1996. Urales andre kortfilm, Still Life (2001), med fokus på aldringens utfordringer for en closeknit Pākehā-the Māori-navnet for New Zealanders av europeiske arvepar, ble den første Kiwi-korta som vant Beste kortfilm på Montreal Film Festival og en spesialgjenkjenningspris på Sveitsers Locarno Film Festival.
Sima Urale, Samoa / New Zealand f.1969, O Tamaiti, 1996, Kapa Haka (Whereo), 2003, 35 mm film og Betacam SP-formater: 15 minutter, svart og hvitt, stereo. Kjøpt 2004. Queensland Art Gallery Foundation Grant / Collection: Queensland Art Gallery © Artisten
Aline Amaru
Tahitian Aline Amaru (f. 1941) er en innovatør av tifaifai-applikasjonen quilt-tekstil tradisjon i Tahiti. Vanligvis dekorert med blomster eller abstrakte mønstre, har tifaifai vært til stede i Polynesia siden begynnelsen av det 19. århundre, sannsynligvis assosiert med innføringen av håndarbeid av misjonærenes hustruer. Amarus overtakelse av tifaifai-tradisjonen innlemmer sine signaturmønstre i hennes egne fortellinger, for eksempel skildringer av historiske scener. La Famille Pomare (1991) inneholder en scene som skildrer de fem generasjonene av Pomare-kongefamilien i Tahiti - det siste regjerende monarkiet før det franske kolonistyret overtok i 1880. Tallene er avbildet i kronologisk rekkefølge og reflekterer over arven etter kongelige i Tahiti. Amarus arbeid kombinerer hevet applikasjon med intrikat håndbroderi, den mindre kjente nana'o-syteknikken med paumotustingene som hun lærte av moren. Tifaifai har nå også erstattet den tradisjonelle barkduken og er en viktig seremoniell gjenstand som blir ført gjennom familier og generasjoner som arvelater.
Aline Amaru, Tahiti f.1941, La Famille Pomare (tifaifai) (Pa'oti-stil), 1991, kommersiell bomullsklut og tråd i applikasjon og brodert teknikk, 237, 8 x 229 cm. Kjøpt 2004. Queensland Art Gallery Foundation / Collection: Queensland Art Gallery
Kalisolaite 'Uhila
Den tonganske kunstneren Kalisolaite 'Uhila refererer til forskjellige historier og aner, så vel som hverdagen og mangfoldet av å være. Hans fremføringspraksis henter inspirasjon fra tongansk forestillinger om å være og euro-amerikanske kunsthistoriske arv fra fremføringen fra 1960-tallet og fremover. Hans eksperimentelle tilnærming manifesterer ideer i metaforer som bestemmer en måte å være på, og adresserer hans innfødte kultur ved å ta i bruk kulturelle prosesser og historier til hans fremføringsspråk. Pigs In The Yard (2011) ser kunstneren dele en fraktcontainer med en gris. Når Uhila prøver å samleie med grisen, utforsker han dyrets betydning for sin opprinnelige tonganske kultur og de pågående koloniale bekymringene på stillehavsøyene. I Ongo Mei Moana. Ongo Mei Moana (2015), 'Uhila leder sjøen i Oriental Bay i Wellington i seks timer, i fem dager på rad, fra lavvann til høyvann. Kunstneren tegner fra tongansk orasjon og koreografi, så vel som sin familie av tunanske marinere ved å bære ngatu og si blader. Forestillingen omtaler også havet som noe som forener mennesker i stedet for å dele dem, og fusjonerer fortid, nåtid, personlig og global.
Kalisolaite 'Uhila, Ongo Mei Moana. Ongo Mei Moana, 2015, liveopptreden på The Performance Arcade 2015, Wellington Waterfront, New Zealand Med tillatelse av artisten
Itiri Ngaro
Cook Islands-kunstner Itiri Ngaro (f. 1973) har flyttet fra scenekunst til bevegelige bilder. Hans verk er påvirket av hans bakgrunn innen musikk, teater, sang og dans. Ngaros praksis er selvreflekterende, og skildrer en urban virkelighet som passer sammen med en Cook Island-arv. Selv om videoverkene hans er siktet for stillehavsymbolikk, mener kunstneren at ideene han formidler er vanlige og universelle for vår eksistens. Te 'Oki'anga o Te Vaerua (The Returning of the Soul) (2007) engasjerer seg poetisk med spørsmål om kulturell identitet. Sandtegninger forvandles til minner om en mann som prøver å unnslippe noe, eller kanskje seg selv. På de rolige vestkyststrendene utfører en mann bevegelser med moderne og tradisjonell dans, og tar publikum med på en reise fra plagede øyeblikk til sjelenes gjenkomst. Ko te au ata mou kore (The Shifting Shadows) (2008) integrerer fysiske, spirituelle og mentale riker gjennom eksperimentelle visuelle teknikker. Motstridende krefter er i spill: projiserte silhuetter utfører sosiale spørsmål som fysiske og alkoholmisbruk, mens andre portretterer englefedre.
Maile Andrade
Multimedia-artisten Maile Andrade slår sammen det moderne og tradisjonelle for å lage verk som gjenspeiler hennes opprinnelige Hawaiianske verdensbilde. Ved å bruke et bredt spekter av medier så vel som nyskapende teknikker blandet med tradisjonelt håndverk, mener Andrade at kunst er et kraftfullt middel til å skildre reisen i ens liv og hennes praksis er dypt forankret i den hawaiiske arven. Andrade utforsker og stiller spørsmål ved bruken og forevigelsen av stereotyper sett gjennom mange linser, og hvordan etnografi og antropologi har misbrukt kulturelle praksiser, kosmologi og spiritualitet. Kunstneren utnytter retten til å identifisere seg selv og sine egne mennesker - utfordrende forestillinger om den stereotype Native Hawaiian. Kahuli (2011) er en installasjon av lauhala-kurver og smeltet glass som refererer til forestillingen om I Keia Manawa - i dag, der indianere i Hawaii står fast, med ryggen til fremtiden og øynene på fortiden. Andrade arbeider med spenningen i denne tid og rom, og forvrengningen av sosiale, kulturelle, politiske og historiske fakta som om hendelser aldri skjedde slik vi husker dem. Denne uroen er i konstant bevegelse, mens den endrer, endrer og opprører mennesker, steder, situasjoner.
Maile Andrade, Ka Huli, 2013, vegginstallasjon med lauhala-kurver Courtesy the artist
Paula Schaafhausen
Den samoanske kunstneren Paula Schaafhausen refererer til sin kulturarv gjennom gjenbruk av bilder, materialer, teknikker og visuelle fortellinger for å engasjere seg i globale spørsmål. I prosjektet sitt 2014Ebbing Tagaloa, trekker artisten frem spørsmål om global oppvarming, spesielt i forhold til Stillehavet og øyene. På grunn av den stigende havnivået, står mange lavtliggende øyer i Oseania overfor harde transformasjoner, for eksempel høyere saltholdighetsnivå i jorden og synkende kyster, for bare å nevne noen. I samoansk mytologi er Tagaloa den øverste herskeren og tradisjonelt havguden, som skapte øyene, himmelen og havene. Schaafhausen refererer guden i de støpte figurene laget av kokosnøttolje, koko Samoa og sand. Oljen og koko er materialer som brukes daglig i Samoa, mens sanden refererer til land og hav som forener folket i Oceania. Statuettene er plassert på skreddersydde brett som representerer de fem viktigste øyene i Kiribati, som er en av de truede lavtliggende øyene i Stillehavet. I løpet av utstillingen smuldrer figurene opp og oppløses med skiftene i temperatur og atmosfære.
En av gruppen Tagaloa-figurer av Paula Schaafhausen i utstillingen 'Ebbing Tagaloa' på w: no: Enjoy Public Art Gallery © Stuartyeates / WikiCommons
