Ved første øyekast kan Wassily Kandinskys kunstverk forvirre deg; hvordan kan alle disse forskjellige maleriene ha kommet fra en kunstner? Han ble født i Odessa, og opplevde både oktoberrevolusjonen i Russland og deretter fremveksten av nazistene i Tyskland før han flyttet til Paris for å leve ut resten av livet. Kandinsys kunstverk gjennomgikk fantastiske forandringer - og de ti maleriene nedenfor er en flott måte å se beviset på.
Der Blaue Reiter (1903)
Kandinsky ville etter hvert bli kreditert for å lage det første rent abstrakte maleriet - men Der Blaue Reiter er ikke det. Dette maleriet, ferdigstilt i 1903, er et godt eksempel på hans tidligere arbeider, som viser innflytelsene fra fransk impresjonisme og til en viss grad pointillisme. Spesielt dette verket vil etter hvert bli husket av en annen grunn - i 1911 var Kandinsky blant en gruppe tyske og russiske artister for å grunnlegge en gruppe kalt Der Blaue Reiter, eller The Blue Rider, som svar på at et annet maleri av hans ble avvist fra en utstilling - selv om det er usannsynlig at han oppkalte gruppen etter dette maleriet.
Der Blaue Reiter Wassily Kandinsky / WikimediaCommons
Murnau, Tog og slott (1909)
Kandinskys malerier skulle gradvis bli mer og mer abstrakte, og med Murnau, Tog og slott kan du se et stopp underveis. Kandinsky malte den i 1909 etter at han hadde reist gjennom store deler av Europa og deretter bestemte seg for å bosette seg i Murnau - en liten by i Bayern. I dette maleriet kan du se hvordan fargen spiller nesten like stor rolle som formene den former, selv om formene her fremdeles er klare; toget og slottet er begge tydelige, og det er forskjellige elementer i bakgrunnen.
Murnau, tog og slott Wassily Kandinsky / WikimediaCommons
The Rider (1911)
The Rider, et maleri fra 1911 - på begynnelsen av Kandinsskys tid i The Blue Rider-gruppen - gir en god sjanse til å sammenligne og kontrastere hans tidligere og senere verk, spesielt gitt at emnet her er så likt Der Derue Reiter ovenfor. Hesten og rytteren er tydelige her, men de er bare linjer og farger uten den mindre detalj og bakgrunnsscenen som du finner i det tidligere maleriet. Dette er faktisk et av hans mindre abstrakte verk fra perioden, men det fanger fremdeles den samme energien og kraften.
Rytteren © Wassily Kandinsky
Improvisasjon 27 (1912)
For Kandinsky, som ofte refererte til maleriene sine med uttrykk som generelt er forbeholdt musikkens verden, var "improvisasjonene" spontane og uplanlagte stykker, mens "komposisjonene" var mer intrikate og planlagte. Hans bruk av terminologien var ikke bare tilfeldig; som kunstteoretiker så han mange sammenhenger mellom måten musikk og abstrakt kunst kan nå frem til rene følelser og følelser - bedre, følte han, enn realistiske stykker. Improvisasjon 27 kalles også The Garden of Love II, som gir nytt potensial til det den uttrykker.
Improvisasjon 27 © Wassily Kandinsky
Sammensetning VI (1913)
Komposisjon VI er et abstrakt stykke som Kandinsky mente å få til spesifikke bilder - nærmere bestemt apokalypsen ved vann, pluss dåp og gjenfødelse, alt i ett gigantisk maleri. Han møtte imidlertid en blokk underveis, som han bare ville komme forbi ved å ta råd fra en venn om å gjenta det tyske ordet for 'flom' (überflut) om og om igjen, høre lyden, men ignorere betydningen. Dette tillot ham å frigjøre seg fra tankene sine om stykket, og etter det gjennombruddet fullførte han det på tre dager.
Sammensetning VI Wassily Kandinsky / WikimediaCommons
Sammensetning VII (1913)
Komposisjon VII er en slags kulminasjon av Blue Rider-årene, for det var hans mest komplekse brikke som han noensinne har malt. I likhet med komposisjonene som kom før det, har dette maleriet en veldig spirituell side - som mye av Kandinskys arbeid. Han mente å få til en åndelig forbindelse mellom seg selv og seerne gjennom maleriet - en rørledning som fremkalte lignende følelser fra begge sider. Selv om det kan se ut som bare spruter med former og farger, så Kandinsky en mening for hver farge, og han satte dem sammen med et stort formål.
Sammensetning VII Wassily Kandinsky / WikimediaCommons
Poeng (1920)
Med Points får du sjansen til å se neste retning av Kandinsky malerier. De ble gradvis mer geometriske i form, og Points er en god illustrasjon av hvordan han unnfanget seg av disse geometriske formene. De to hovedelementene i maleriene hans på denne tiden var linjer og punkter. Begge fikk ytterligere betydninger i teorien hans; et punkt er bare en form i maleriet, ikke begrenset til noen spesifikk farge, størrelse eller form. Linjer er resultatet av en kunstner som bruker kraft på et verktøy, en pensel eller blyant, i en bestemt retning, og til og med retningene og kurvene (eller mangelen på disse) for linjene som har spesiell betydning for Kandinsky.
Peker Wassily Kandinsky / WikimediaCommons
On White II (1923)
Et av hans mest kjente verk, On White II, malt i 1923 (tre år etter Points, som ble malt i 1920), viser utviklingen som Kandinskys geometriske maleri gjennomgikk på relativt kort tid. Linjene er skarpere, formene skarpere - men de ble alle styrt av Kandinskys forståelse av hva de forskjellige linjene og fargene betydde da de kom sammen. For ham symboliserte hvitt fullstendig stillhet og fullstendig mulighet, og hvitt og svart danner den andre store fargekontrasten, som du også kan se i dette stykket.
På hvit II © Wassily Kandinsky
Flere sirkler (1926)
Flere sirkler er bemerkelsesverdige for måten Kandinsky bruker farger på, med at de perfekte sirklene overlapper hverandre og fargene deres blandes for å danne helt nye. Den svarte bakgrunnen er også viktig - for ham, svart symbolisert, ganske enkelt, død, men også håpløshet og intet. De andre fargene legger imidlertid til verkets helhetsinntrykk, som ved første øyekast ser ganske fargerik og lys ut, som fyrverkeri eller planeter; de hadde hver sine betydninger, sammen med kombinasjonene dem imellom. Blå er for eksempel en farge som for Kandinsky hørte til himmelen og var ment å fremkalle en dyp følelse av ro.
Flere sirkler Wassily Kandinsky / WikimediaCommons
