Video: Wanderlust 🌲 - An Indie/Folk/Pop Playlist | Vol. I 2024, Kan
Video: Wanderlust 🌲 - An Indie/Folk/Pop Playlist | Vol. I 2024, Kan
Det er en morsom tid for fransk mote, da byen med den mest tradisjonelle arven finner seg forstyrrelse på hver eneste sving: mannlige kreative regissører blir erstattet, sosiale medier stiller krav til håndverk og Macron har kommet med omfattende reformer. Men på gatene i Paris SS18 er den største forandringen på gang: kvinner hevder en rett til å mate seg inn i den kreative prosessen, og eier hvordan de kler seg. Culture Trip ser på de subtile kraftforskyvningene som skjer utenfor catwalken.
Her er den mangeårige dikotomien: catwalks tilbyr den store ideen, og starter med couture (og noen RTW også), kreative regissører tilbyr en visjon om den typen kvinne de tror verden ønsker, og selger en melding om deres merkevare. Noen ganger betyr dette må-ha-ting, for eksempel Yves Saint Laurent og Chanels glitterstøvler, og noen ganger betyr dette en viss måte å style et kjent stykke på - som Balenciagas forslag om at to strøk er bedre enn en. I mellomtiden ser forbrukere som ser på klærne på catwalken - og kvinnene som modellerer dem - ingenting relatabelt eller praktisk, og finner seg selv i å kanalisere en tolkning av utseendet, ofte med billige reproduksjoner i stedet for den ublu originalen. Spenningene mellom det som skjer på scenen og det som skjer i det virkelige liv fører ofte til at den vanlige oppblussingen av motedeltakere forkynner det som et uhøytidelig og vakuumt medium.
Men å overlate det eldgamle argumentet rundt 'mote som kunst' til den ene siden, det er en interessant spenning i bransjen selv, for historisk sett har kreative regissører ved ledende motehus i Frankrike vært menn. Som en rask oppsummering leder Karl Lagerfeld Chanel, Nicholas Ghesquierie fører tilsyn med Louis Vuitton, Anthony Vaccarello har overtatt regjeringstidene ved Yves Saint Laurent, Olivier Rousteing er konge på Balmain og Vetements Demna Gvasalia genererer massehype på Balenciaga. Inntil for ganske nylig ledet Raf Simons Dior og Riccardo Tisci ledet Givenchy. Det krever ikke et geni å regne ut at det å ha en gjeng med hanner som projiserer og kuraterer hvordan og hvordan kvinner skal se ut er problematisk: stramme skjørt, korsetter og ujevne hæler har gjort kvinner semi-immobile i forskjellige hjemlige omgivelser gjennom historien.
De siste sesongene har imidlertid sett viktige skift på topplasseposisjoner, noe som gjør fransk mote et mer likestilt felt: Clare Waight Keller overtok på Givenchy, Natacha Ramsay-Levi overtok tøylene på Chloé og Maria Grazia Chiuri forlot sin kreative partner på Valentino og omfavnet en solokarriere på Dior. De får med seg mangeårige designere Sarah Burton (Alexander McQueen), Stella McCartney (Stella McCartney), Agnès B (Agnès B) og Phoebe Philo (Céline). Men betyr dette endring for kvinnene som ender opp med klærne?
Et innlegg som ble delt av Céline Official (@celine) 1. oktober 2017, kl 06:27 PDT
Interessant, ja. Disse kreative designerne tar ledelsen like mye fra forbrukerne som fra egen forskning - et trekk som har vist seg splittende blant kritikere når det gjelder Maria Grazia Chiuri. De siste sesongene på Dior har sett Chiuri tilby feministiske t-skjorter med slagord som "vi skal alle være feminister" og "hvorfor har det ikke vært noen flotte kvinnelige artister" sammen med glittery baretter og tyll-tutu-esque skjørt. En fersk Business of Fashion-artikkel siterte skumle kommentarer fra The New York Times motekritiker Vanessa Friedman og kritikeren Cathy Horyn, som begge tok paraply med Chiuris vandring mot tusenårene, til tross for en milliard euro i overskudd i år.
Phoebe, Stella og Agnès, det er verdt å påpeke, tilbyr langt mer tidløse kolleksjoner, som dypper mer i humør enn øyeblikk - et trekk som i seg selv og sammen med designen til klærne (myke, avslappede, lett å ha på og vakker), erkjenner hva kvinner leter etter fra dem, i tillegg til å utvikle en klar estetikk.
BoF-artikkelen bruker denne forskjellen for å synliggjøre det voksende kløften mellom rullebane og forbruker, som er sant. Men dette gapet åpner et nytt, kraftig rom: gaten. I løpet av moteuken viste gatestil tydelig det levedyktige ekteskapet med kunst og bærbarhet - et sted utenfor tradisjonelle catwalks å eie identitet på en mer meningsfull måte. Dette handler ikke om mote, det handler om å ta tak i fortellingen, og kvinnene i Paris gjør det bra.
Et innlegg som ble delt av Dior Official (@dior) 30. september 2017 klokken 07:16 PDT
I den franske hovedstaden var selvuttrykk tydelig under SS18-showene. Kanskje er det den dekadente arkitekturen og de majestetiske omgivelsene som krever det, men i Paris er en følelse av omsorg og presisjon i måten folk kler seg på. Her fremmer en legion av kvinner uten uttrykk "utseende", og eier mote til hverdagsformål. De oversetter catwalken til teatret i sitt eget personlige domene. Dette markerer et skarpt skifte bort fra gamle ideer om 'fransk chic', som spilte tyngre på undervurderte, uhyggelige antrekk.
De viktigste samlende elementene i stilen denne sesongen - inkludert lyse farger, store blazere og frilagte skjorter sammen med gingham og tweed gjengitt i jakker, skjørt og skyttergraver - ble servert bundet i midjen med en strek JWAnderson-fôr. I mellomtiden ble baggy hoppere parret med nye balanser og bukser ble slitt høyt og bredt, slappet rundt foten - alt stylet med skarpe spisse støvler som kom i patenterøde, voldelige blues og selvfølgelig glitter. Kort sagt, det var en ny type strømkledning som fremmet ideen om å ta plass, bli lagt merke til og føle seg myndig: det handler om å glede seg over klær og femininitet uten å be om unnskyldning. Det er stil som er modig, selvsikker og selvsikker - fransk elegant forestilt på nytt, og leder neste grense.
I en fersk anmeldelse i The New York Times, spurte Vanessa Friedman fra Chanel SS18-showet: 'Er dette det groveste uttrykket av motens selvengasjement, eller et ekte øyeblikk av eskapisme, gitt av en som kan? Er det et eksempel på ekstrem bombast eller raushet? '. The Times 'Fashion Director landet på sistnevnte og siterte farten av mote for å feire skjønnhet i øyeblikk av skrekk. I virkeligheten lot Friedman mote slippe for lett unna, for hvis Lagerfeld virkelig var opptatt av å formidle skjønnhet blant en by som har fått store traumer, ville han gjort det i et åpent miljø, ikke bare for en utvalgt gruppe inviterte, og sperret Parisere med hjelp fra hundre politimann.
Gatene er imidlertid et demokratisk rom. Utenfor Chanel-showet ble mote gjengitt forbipasserende immobile. På Carven ble forestillingen satt på et universitet i skoletiden, noe som førte til klynger av forvirrede og underholdende tilskuere mens et band med lyst kledde gjester snakket seg gjennom betonghallene. Fremadstormende designere som Dumitrascu spilte til og med direkte med disse spenningene, og iscenesatte et gerileshow i metroen i Paris: det var kunst-som-liv og liv-som-kunst alt uskarpt til en smush. Disse sammenstillingene av hverdagen og den høye mote splittet sammen skaper noe kraftigere og mye mer beslektet med glede. Hvordan kan et par røde, høye, patentsko som fanger blikket når du forlater et kjedelig foredrag ikke distrahere deg, selv ikke et sekund?
Kort sagt utnytter kvinnene i Paris retten til å lage en sprut - og kose seg i prosessen. På sin side tilbyr dette skue og eskapisme i hverdagen for kvinnene som bruker klærne, og for de som er vitne til det.
Ved å eie kreativitet utenfor catwalks, tar disse kvinnene de endelige beslutningene bort fra designere, og i stedet gjør det til en mer syklisk prosess - de er lederne som designere bør komme bak, i stedet for å diktere. Det er gledelig og myndiggjørende, eskapistisk og ekte. Det er den typen nye identitet vi alle bør feire.
