I tilfelle du ikke har lagt merke til, er Los Angeles full av utstillingsplasser. LACMA har hjem til 100 000 kunstverk som sementerer det som det største museet i det vestlige USA. Museet åpnet i 1965 og fokuserer på kunsthistoriens og kloden. Hvor skal jeg starte? Vi profilerer ti må-se-verk hos LACMA.
Gråtende kvinne med lommetørkle (1937) av Pablo Picasso
Picasso malte dette i 1937 i Spania etter å ha fullført sitt berømte verk Guernica, som sto i protest mot den spanske borgerkrigen. Etter dette skiftet Picasso sin maleri til surrealisme, men fortsatte å male den gråtende kvinnen ofte. Kvinnen som er fanget representerer ikke bare hans personlige uro, og mange tror at det er et portrett av hans elsker og elskerinne Dora Maar, men representerer også et offer for krigen - en kone og mor som er igjen i kval av ødeleggelse. Maleriet er utrolig kraftig og tankevekkende. Museet har et bredt utvalg av Picassos verk utstilt fra flere forskjellige perioder, slik at du kan utforske samlingen til denne store kunstneren.
Foto av Daren DeFrank
Shiva som Lord of the Dance (ca. 950–1000) av Tamil Nadu
Shiva the Destroyer and Restorer er en av de tre hinduistiske gudene. De andre inkluderer Brahma Creator og Vishnu the Preserver. Shiva er populært og tilbedt i hele Sør-India. Shiva er også kjent som skytsguden for yoga og kosmisk dans som skapte universet i kontinuerlige rytmiske sykluser. I denne skildringen danser Shiva rundt en flamme som stiger opp fra en lotuspedestall av mange antatt å være et symbol på skapelsen. Skulpturen er blitt symbolsk for den indiske sivilisasjonen. Verket fanger Shivas nåde og guddommelige enhet. Skulpturen kan bli funnet i fjerde etasje i Ahmanson-bygningen, og når du ser den på nært hold er det lett å se den kraftige betydningen denne skulpturen har hatt for indisk kultur, samt hvorfor verket feires over hele verden.
Foto av Daren DeFrank
Wrestlers (1899) av Thomas Eakins
Dette maleriet er lett å finne i galleriet fordi det ganske enkelt krever oppmerksomhet. Plutselig er du så betatt av det sterke bildet at det er vanskelig å se bort. Eakins ble ansett som en av de store realistiske amerikanske malerne fra det nittende århundre, og det er lett å se hvorfor. Maleriet ser ut som det foregår foran deg med to brytere sammenvevd midt i en fyrstikk. Målet i mange av hans arbeider var å fange 'heroism of modern life', og han ville ofte bruke timer på å skape disse øyeblikkene. Han ville ofte ha to idrettsutøvere som bryter med seg, og deretter finne ut hvilken stilling han synes var mest stilistisk interessant. Dette maleriet er også hans siste fullførte med temaet menneskelig form og ble ferdig mot slutten av karrieren. Det antas å være representativt for hans egen frustrasjon over livet. Maleriet er absolutt utrolig inspirerende. Hvem visste at bryting med ens demoner kunne være så vakker?
Foto av Daren DeFrank
Three Quintains (1964) av Alexander Calder
Denne skulpturen er unik ikke bare for designelementene i Alexander Calders tre quintain-arbeider, men også fordi stykket ble opprettet for museet. Før museet åpnet ble det nedsatt et utvalg som skaffet seg en fonteneskulptur for stedet. Museet tilbød kommisjonen til Calder, som ble enig i juni 1964. Laurelle Burton, som den gang var president for Kunstmuseumsrådet, sa: 'Å ha en mann med Alexander Calders fremtredende rolle var den første som utformet en skulptur spesifikt for det nye museet ville sette standarder for fremtidig innsats fra kunstnerne og giverne. ' Fontenen består av enkle geometriske former, som er karakteristiske for Calders stil, flytende i luften og fremdrevet av vannstråler. Stykket er en av de få fonteneskulpturene Calder noensinne har laget. Arbeidet vises permanent i Director's Roundtable Garden.
Blomsterdag (Dĩa de Flores) (1925) av Diego Rivera
Diego Rivera trenger absolutt ingen introduksjon. Hans malerier, i en rekke medier, inkludert akvarell og olje, er verdenskjent. Dette maleriet er et må-se-verk! Brennpunktet for maleriet er selgeren av calla liljer. Blomstene blir sett ovenfra, som er et unikt perspektiv. Sammensetningen av stykket er også interessant fordi figurene er blokklignende i stil, noe som er en teknikk som Rivera finslipte fra sitt kubistiske maleri tidligere i karrieren. Etter å ha vunnet førsteplassen i den første panamerikanske utstillingen av oljemalerier i 1925, ble den oppnådd av LACMAs foreldreinstitusjon Los Angeles Museum of History, Science and Art.
Diego Rivera blomsterdag © Joaquin Martinez / Flickr
Fliser med rullende blomster Arabesque (ca. 1500-tallet), Stor-Iran
En del av LACMAs utstilling, Islamic Art Now - Del 2, dette keramiske stykke dateres tilbake til 1300-tallet. Utstillingen som helhet fokuserer på blandingen mellom fortid og nåtidskunst i en rekke medier og temaer. Denne flisen tilhører Timurid-regelen i Iran og Sentral-Asia. Timuridene sponset bygninger ofte pyntet med dekorative fliser som denne. Stykker av fliser ble kuttet fra forskjellige sett med fliser, med en rekke forskjellige farger, for å lage en mosaikk som ville bli med andre i å lage et komplekst design på utsiden av strukturen. Det som er mest påfallende med dette stykke, er at til tross for flisens alder og slitasje, forblir datidens farger fortsatt levende.
-
- Tile © Beesnest McClain / Flickr
La Trahison des images (Ceci n'est pas une pipe) (1929) av René Magritte
Ikke bare regnes dette maleriet som et av René Magritts surrealistiske mesterverk, det er også høyt anerkjent som et ikon for moderne kunst. Surrealisme var en kunststil som sterkt trakk sin innflytelse fra den freudianske psykologien. Det symboliserte en reaksjon mot 'rasjonalisme', som mange trodde bidro til første verdenskrig. Hans ordbilde-malerier er hans eksempler på umuligheten av å kombinere ord med bilder og gjenstander. Magritte hadde jobbet innen reklame, i tillegg til å være kunstner, og maleriet ser først ut til å være forenklet - nesten å selge røret som er avbildet i stykket. Under ordene som er lest "dette er ikke et rør, " er det imidlertid forvirrende. Det komplekse elementet er at et maleri av et rør ikke egentlig er et rør i seg selv, men bare en skildring av et rør. Hans bruk av tekst i maleriene hans ville påvirke en generasjon konseptorienterte kunstnere, inkludert: Jasper Johns, Roy Lichtenstein og Andy Warhol.
Foto av Daren DeFrank
Still Life with Cherries and Peaches (1885-1887) av Paul Cézanne
Paul Cézanne er kjent som en av de legendariske postimpressionistiske malerne på 1800-tallet. Hans malerier inkluderer en rekke emner fra landskap til portretter og stilleben. Hans ikoniske malerier av forskjellige bordinnstillinger er umiddelbart gjenkjennelige inn og ut av kunstverdenen. Cézanne brukte livlige farger og penselstrøk for å fange intensiteten til bildene, noe som er eksemplifisert i dette maleriet. Synspunktene i maleriet er varierte. Kirsebærene blir sett fra et ovenfor sentralt punkt, mens fersken, til tross for deres nærhet, ser ut til å bli sett mer mot en sidevinkel. Glasset og arket følger med på bordinnstillingen og er realistiske, men allikevel mer abstrakte på samme tid, noe som er typisk for postimpressionisme. Dette stykket er et klassisk eksempel på den fengende stilen til Cézanne og et må-se-maleri i seg selv.
Foto av Daren DeFrank
Cold Shoulder (1963) av Roy Lichtenstein
Roy Lichtenstein er en av en gruppe kunstnere som brukte kommersielle bilder i arbeidet sitt og transformerte det. Disse stilene ble kjent som Pop Art og kom på moten på 1960-tallet. Bruken av dristige farger og streker skaper tegneserier av tegneserier. Den presise tegningen legger seg også flatt på lerretet, med vilje mangler bruk av dimensjon. Sammenstillingen av teksten i stykket som sier "Hei" med den bakovervendte kvinnen skaper også en interessant dynamikk. Ved å bruke stilen kjent som Ben-Day (printer's) prikker, som er en mekanisert prosess som brukes i produksjon av tegneserier, skaper Lichtenstein kvinnens hud med en håndlaget tolkning av teknikken.
